Es muy posible que la valoración de la obra de Bacon haya sido realizada sólo desde un punto de vista. Nosotros advertimos en su obra, como en todas, dos aspectos. La percepción de la obra por parte del espectador dependerá de que se trate de un espectador estético o de un espectador crítico.

El falsificador y el ratero necesitan ir un poco más delante de los avances técnicos en identificación y protección de la obra, para sorprenderlos. No robarán ni falsificarán al azar: necesitan conocer el mercado puntualmente y casi ser parte embozada de él.

Art situacions, reciente exposición de artistas emergentes en Barcelona, aborda a través de distintos formatos, miradas, lenguajes, algunos de los grandes problemas que ocupan hoy en día a la humanidad.

Otra vez el juego del gran formato para impactar. Un efecto eficaz, tanto como el llenar la exposición de jovencitos y jovencitas hermosos, su belleza se expande y contamina a todos y a todo. Las piezas presentadas son dibujos de animales hechos con una escoba.

Galeristas y artistas españoles y mexicanos hablan con el autor de esta crónica acerca de su participación en una de las ferias del arte contemporáneo más importantes del mundo. Les fue bien, dicen.

El concepto de frontera, asegura el autor, ha cambiado en las representaciones culturales tijuanenses. Este ensayo, que se presentó en la exposición de arte Tijuanilla (mayo de 2011), busca dar cuenta de este giro y esbozar algunas explicaciones históricas, generacionales y socioeconómicas.

El arte urbano es auténtico porque viene de las bases de la sociedad. Las calles son el medio que compartimos, los diarios ya no dicen lo que pensamos, sino lo que piensan unos pocos, los políticos piensan para unos pocos; entonces, ¡bienvenida la calle para expresarse para todos!

La influencia es un arma de doble filo. Quien tiene la suficiente madurez intelectual la recrea; la resignifica. Quien no es uno más y su trabajo un mero pastiche.

Negras tormentas hace uso pues de la gran paradoja de la labor del arqueólogo, que es también la del artista, la del pensador, la del escritor: excavar para traer a la superficie, para llevar a la luz.

Anna Dimitrova, directora de Montana Gallery desde 2010, conversa con Replicante sobre su labor al frente de ese espacio en Barcelona consagrado a la exhibición de graffiti y arte urbano.

Eko es un artista plástico, si tal epíteto no fuera lo bastante ambiguo en estos días, así que habría que aclarar que es dibujante, ilustrador y grabador, dueño de un estilo sólido con una especial predilección por el alto contraste, aunque sus grabados lo muestren como un artista completo.

La corriente figuracionista no puede quedar explicada únicamente como la representación plana de figuras humanas, el tercer elemento material de la obra de arte. Lo que realiza esta corriente es el análisis de las actitudes de los personajes que se representan.

Después de que las “nuevas” prácticas artísticas han utilizado pelos, uñas, mierda, orines, sangre, sudor y lágrimas, tal parece que se valoran más las ocurrencias baratas del chamanismo new age que el legado espiritual y artístico de la humanidad.

Ya se sabe que los conejos se caracterizan por su facilidad para multiplicarse, y justamente eso ha hecho el autor a través de sus heterónimos: engrandecer la conejera, el jardín borgeano, la granja de George Orwell que es Yucatán defendiendo ejecuciones fuertes, sólidamente formuladas y con una carga de pensamiento lateral bien aplicado.

“Yo trato de que mi arte no sea elitista; si está en una galería, es para venderse, no para que entre cierta gente. Siempre va a haber discrepancias, y más con arte urbano, porque nació en la calle.”

En este ensayo se pretende realizar un mayor acercamiento a la definición del cubismo mediante los principios filosóficos que se han venido aplicando a la interpretación del arte del siglo XX.

Nuestro corresponsal exclusivo en Miami y todo el Caribe asistió a la millonaria feria del arte en esa ciudad, a la que describe sin más —a la feria— como un departamento de carnisalchichonería y museo del horror. Ahí vio cosas indescriptibles y hasta pudo hacerle una pregunta a Gabriel Orozco.

A pesar de las bienales, y el hecho de estar fuera o dentro de ellas, el artista debe continuar con la búsqueda de lenguajes y espacios para que la creación de momentos de contacto significativo con el “otro” no resbale de sus manos y caiga en el mercado.

Leonardo Da Vinci es considerado uno de los más grandes artistas de todas las épocas y probablemente una de las personas más diversamente talentosas que haya existido. Incursionó en las ciencias y las artes por igual. Su obra La Gioconda (La Mona Lisa) es una de las pinturas más reconocidas en el mundo.

En Nuevo Mundo, el libro editado por la editorial alemana Gestalten en el que Maximiliano Ruiz toma el pulso al arte urbano latinoamericano, un dueto colaborativo de grafiteros chilenos sobresale gracias a esos personajes monumentales que parecen observar, fija e imperturbablemente, el paso de la vida en las calles de Santiago.

La relación que se ha intentado establecer entre la pintura y la música carece de razón. El color que percibimos de la obra matérica es el de la materia, y como se prefiera, la del elemento constructivo o la del elemento representado.

“Estoy habituado a usar los espacios públicos porque son libres, en toda la extensión de la palabra. Puesto que el arte urbano no está hecho para venderse, puede existir independiente de cualquier compromiso comercial o político.”

Los experimentos formales de los minimalistas coinciden o se pueden relacionar con varios escritos contemporáneos que expresaban intereses afines. La obra de Morris, sobre todo, tiene mucho en común con la fenomenología de Maurice Merleau-Ponty, pues ambos sostuvieron que no se podía entender la unidad o forma de un objecto sin la mediación de la experiencia corporal.

En este artículo el autor hace una justificación de la consideración del arte del siglo XX como análisis científico de la obra de arte.

La importancia del “ahora” es un espejismo que nos plantea el capitalismo tardío —una manera de promocionar a la Colección Jumex sin incurrir en un análisis crítico. El arte que tenemos en el Cabañas sirve, al fin y al cabo, para vender jugos procesados.

El artista emplea el idioma grotesco e hipersexual del bondage, el glam rock y las películas camp; las obras se conectan gracias a la recurrente figura del cerdo, el acto de freír las carnitas y la opción de consumirlas.

Desde el primer momento en que la colombiana Bastardilla comenzó a recorrer las calles, a conocerlas, supo que usaría los espacios públicos a manera de lienzo.

“Lo que más me asusta en el mundo es tomar té en un salón de moda. Bien puedes pensar que estás en un gallinero. ¿Por qué se toman tantas molestias para estar tan feas y vulgares?” ¿Por qué un hombre que se expresaba así más que nada pintaba mujeres?

El legado de este prominente intelectual coincide en gran parte con el triunfo del expresionismo abstracto en Estados Unidos y el mundo, aunque sus logros y los de los de sus pintores predilectos fueron opacados por el neo-dada, el pop art y el minimalismo.

Para la crítica e historiadora Avelina Lésper no hay medias tintas. Manifestaciones artísticas como el performance, la instalación, el ready-made y otras por el estilo simplemente no son arte.

Junto con Invader y André, ZEVS es una de las principales figuras del arte urbano francés. En los años noventa era un adolescente que recorría calles y recovecos de París plasmando su firma.

Para entender el arte del siglo XX hasta hoy debemos considerar dos cuestiones: el hombre que le realiza y la definición del arte.

Para entender el arte del siglo XX debemos aclarar qué es el arte, pues no parece que se haya llegado a ofrecer respuesta a tan necesaria cuestión y las teorías tan diversas han resultado incomprendidas por el público y hasta por los artistas, que quedan, con tantas explicaciones, más confundidos que sin ellas.

En los murales del brasileño Stephan Doitschinoff “Calma”, que se encuentran dispersos en casas, capillas y calles de pueblitos de Bahía, se reúnen folclor afrobrasileño, iconografía religiosa y simbolismo alquímico y cultura popular.

Los padecimientos mentales son comunes a todas las personas, pero la romantización de la locura quiere hacer creer que los artistas y los escritores geniales son más propensos a sufrirla. Aquí, un repaso a grandes creadores y su enfrentamiento con el delirio.

La exposición de Alexander McQueen en el Museo Metropolitano de Nueva York muestra la mejor cara de la moda: el arte.

Las obras del artista estadounidense esbozan una técnica meticulosa mediante la cual el artista recolecta, ensambla, recrea y manipula innumerables piezas y fragmentos para cohesionarlos en un marco que intenta proyectar alegóricamente el principio y el final de las civilizaciones.

El arte es la locura que ha insistido en dialogar con el hombre a través de los siglos. La enfermedad mental puede ser el origen de magníficas obras artísticas, pero también de los más singulares crímenes. Como bien decía André Malraux, “el verdadero loco posee un dominio común con el artista: la ruptura”. Es precisamente ese quiebre de la realidad, por ende de toda regla conocida, lo que ha llevado al artista y al loco, irremediablemente, a un encierro: metafórico o físico.

La polémica sobre el arte contemporáneo continúa. En esta ocasión, a través de un texto sarcástico de frenético ritmo.

La cultural del metal va más allá de las guitarras distorsionadas, el canto gutural y los dobles pedales, también se expande a otras disciplinas artísticas, el trabajo gráfico de Dan Seagrav y Wes Benscoter es una muestra de sus alcances, símbolos, obsesiones, riqueza.

El ser humano ha tenido, desde siempre, la tentación de crear un nuevo ser humano, comenta la autora de esta instalación. Con vocación de artista y científica loca, desde Ecuador nos hace llegar el registro de su obra, sinceros experimentos que reflexionan, entre otros temas, sobre el cuerpo, la infancia y la sexualidad.

Phoebe Gloeckner es una ilustradora médica, artista de cómics y profesora de arte en la Universidad de Michigan en Ann Arbor. Dos de sus trabajos más conocidos son sus ilustraciones para La exhibición de atrocidades, de J.G. Ballard (publicada por RE/SEARCH en 1990) y sus cómic semiautobiográficos The Diary of a Teenage Girl (Frog Press, 2002). Recientemente, además de su labor en la enseñanza, ha estado trabajando en un proyecto artístico sobre las muertas de Juárez.

Phoebe Gloeckner is a medical illustrator, comics artist and art professor at the University of Mic,higan at Ann Arbor. Two of her better known works are her illustrations for J.G. Ballard’s The Atrocity Exhibition, which were published by the seminal alternative publishing house RE/SEARCH in 1990, and her semi-autobiographical comics The Diary of a Teenage Girl: an Account in Words and Pictures (Frog Press, 2002). Recently, besides her teaching work, she has been working on an artistic project on the subject of the muertas de Juárez.

A propósito de la discusión en torno a la crítica en esta edición de Replicante sobre un texto de Gabriel Orozco —publicado en la revista La Tempestad— decidimos reproducir dos artículos del pintor y crítico Flores Richaud que complementan sus argumentos en torno al pensamiento de ese artista conceptual.

Aquí se trata sobre la inquietud del artista por el vacío y sus tentativas por llenarlo de algo. No importa que ese algo, en este caso sus escritos, sean confusos, incomprensibles, chabacanos, contradictorios, dizque poéticos, quesque filosóficos, chocarrero-involuntarios, ideático-políticos y hermético-místico-sin-querer-queriendo.

El arte deja de ser para conformar una visión evolutiva de las sensaciones estéticas del individuo, se convierte en un consumo que se debe satisfacer como la ropa o los coches, y entre más extravagante y más caro más encumbra socialmente al comprador.

En los precios que se establecen para el arte contemporáneo no entra ningún parámetro ni criterio de calidad en la venta, se trata sencillamente de especulación.

Quienes hayan estudiado algo de artes gráficas seguramente escucharon esta palabra, algunos quizás se hayan encontrado cara a cara con alguno, recordándoles a quién le tienen que devolver ese libro…, o quizás hasta tengan uno en su biblioteca, para asegurarse de que si lo prestan, vaya donde vaya, ese libro tiene dueño.

En Leonardo, máquina, metáfora e imagen son sólo forma, lenguaje, gramática, sintaxis, de procesos psicofisiológicos y naturales, representados por ideas, conceptos y demás. El dibujo, en lugar de la letra: el trazo como signo. La línea es lenguaje, donde la sintaxis está compuesta por cuadrículas y sombras en vez de puntuación.

En una obra contemporánea la situación es igual al fenómeno religioso, lo de menos es la obra, lo trascendental de ella son los significados y las explicaciones del curador y del artista, y el peso que estas invenciones tienen dentro de su conjunto de creencias.