Desde sus inicios la cámara cinematográfica buscó imágenes exóticas para acercarlas a su público. A medida que el transporte y la comunicación hicieron el mundo más accesible, los filmes de viajes cambiaron su forma y su sentido. Con este artículo comenzamos un camino en el que nos preguntamos cómo el cine nos hace viajar.

Quizá una de las razones por las que la casa Pixar se ha mantenido con una calidad impecable a diecisiete años de su primer gran filme es la de cómo son capaces de ceder el protagonismo a cada uno de los artistas de este auténtico colectivo de creadores.

Una cámara nerviosa, angustiada y angustiante, sumerge al espectador en el mundo infernal de los secuestros. Las diferentes líneas temporales sólo dejan entrever cortes, fragmentos. Días de gracia (2011), ópera prima de Everardo Gout, es por momentos una película claustrofóbica, efecto que logra no solamente mediante la perspectiva subjetiva de la cámara sino también por la forma fragmentada de anudar la narrativa.

En 2005 y 2011 se estrenaron dos comedias estadounidenses de argumento casi idéntico, que hacían referencia a su contexto socioeconómico inmediato. Aunque al hacer un uso diametralmente opuesto del humor culminan en sentidos ideológicos muy distintos.

¿Por qué el paso del tiempo le da status a las cosas que en su momento fueron despreciadas? Y más importante, ¿por qué la comedia es tan despreciada en el momento en que se hace y elevada a los olimpos cuando ha pasado mucho tiempo?

Alberto Fuguet agudiza sus capacidades de director en Música campesina, la historia de un chileno que llega a Nashville, la capital de la música country, otro latino en busca del sueño americano.

Vaya forma de superar algo que parecía insuperable. Dos formas inteligentes de crear una historia con múltiples capas, aprovechando el desarrollo de personajes de la primera parte, no para cebarse y explotar la bien merecida fama de Andy y sus juguetes, sino para utilizarlos y abordar otra interesante cuestión en la vida de un juguete.

Ambientado en el Mississippi de 1960, con la segregación racial, el filme narra las vicisitudes de una escritora blanca que entrevista a las sirvientas afroamericanas que prestan sus servicios en casas patricias.

El sentido que guarda la colonia (y para el caso la agrupación de individuos de una misma especie), de la colectividad y de la rebelión social se manifiesta en A Bugs Life (1998).

En Inland Empire (2006) David Lynch continua la temática de Mulholland Drive (2001): la exploración de las tramoyas de la industria hollywoodense, pero añade un nuevo elemento: la mirada del espectador, la representación del espectador dentro del propio filme, en la propia narrativa.

Notable que un ruso sea precisamente quien dejara una de las versiones más críticas, oscuras, ambiguas, burlescas, aunque igualmente laudatorias y de admiración ante una parte no menor de la historia alemana, el clasicismo por un lado y la época nazi por otro.

Quizá porque la violencia en algo se parece al sexo tienen un encanto especial esas películas en las que, como cómplices o enemigas, un par de mujeres tienen un vínculo violento. Perfect Blue nos ofrece el placer de espiar ciertas bizarras intimidades femeninas.

El lugar más pequeño es una película como todas, afirma su directora. Los documentales no “son verdades absolutas, son verdades relativas pequeñísimas, una interpretación, un filtro de una realidad masticado, manipulado, transformado por la mirada, por la cabeza, por el corazón, del que lo está contando. Es absolutamente un punto de vista”.

Premios, trifulcas, fiestas… La estrellitis en todo su esplendor en el pasado FICG 27. No cabe duda de que los peores golpes se dan bajo el ring y fuera de la pantalla de cine. ¡Cuánta ficción!, dice nuestro colaborador.

Toy Story habla con franqueza a los que la ven, entendiendo el proceso de formación de un niño, exaltando en lo que se convertirá y celebrando la imaginación y la creación como objetivos primordiales de la vida misma.

Bajo la ciudad, de Christoph Hochhäusler, y Deseos culpables, de Steve McQueen, dos largometrajes que se valen de un hombre de negocios como protagonista, aunque el tratado del tema, la mirada de ambos directores, sea siempre y ante todo, personal.

Hay un director mexicano que se apellida Del Toro y se rumora que es pariente del famoso Del Toro de Hell Boy y otros éxitos del cine. Pero éste hace bodrios infames que pretenden moralizar y llamar la atención sobre las lacras de la sociedad.

Disfruten la película, dicen al momento de cortar los boletos para entrar a la sala, como si fuéramos a divertime brutalmente. No es que vaya al cine a amargarme el día, tampoco que busque la frustración o el dolor por vocación. Voy al cine por una experiencia total, un momento cinemático. Disfrutar va más allá de ocupar una butaca significa pensar y vivir el filme.

Desde que Michael Moore comenzó a ser la estrella de sus documentales los entrevistadores son ahora los buenazos que iluminan el problema. Ya no son los investigadores que exponen el asunto sin mostrarse pues no se trata de ellos sino de la realidad que se cuenta.

Replicante publicará desde esta edición todos y cada uno de los instantes de la gran odisea de Pixar, y quizá nuestro lector, que vivió esos instantes también, encuentre el porqué ese cine redefinió el término del entretenimiento infantil en Occidente.

Mulholland Drive es una película sobre películas que nunca dejan de filmarse, que no pueden terminar, que no dejan de ser grabadas, donde los elementos de una parte apuntan hacia los de la otra y se persiguen sin poder alcanzarse, repitiendo en cada vuelta la misma historia, sólo intercambiando actores, directores, en una perpetua carrera destinada a no terminar nunca.

“La película no importa a partir de ahora, lo que importa es que tú tengas la posibilidad de cambiar tu entorno y que participes en esta conciencia que implique educar a alguien o que tú te eduques a ti misma”, dice Juan Carlos Rulfo.

Si en Hombre en llamas la violencia es explosiva y, como la bala, “siempre dice la verdad”, en Una historia violenta se vuelve sexy, húmeda y crujiente pero sabe muy poco de verdades.

La guerra, el fin del mundo y una historia de amor son algunos de los temas narrados a través de la mirada futurística y fantástica de Gareth Edwards.

The Tree of Life (2011) de Terrence Malick es exactamente lo que el cine debió ser desde un principio: una experiencia casi física que se aleje por completo del objeto de la literatura (contar una historia) y el del teatro (representarla).

Simbólica la imagen del FICG27 con el rostro de una mujer sometida por las manos de un hombre de mangas negras; una de ellas abre su ojo izquierdo mientras la otra sostiene un chile verde a punto de frotarlo en el globo ocular. “Te haremos llorar de gusto”, dice el slogan.

Y este 2012, el Óscar para el mejor actor fue para… Jean Dujardin por su rol en El Artista que nos dejó, literalmente, sin palabras. ¿Fue justo o había otros candidatos merecedores?

En Estados Unidos una película de mediano presupuesto se ha convertido en el tema central de programas que ni siquiera son especializados en cine. The Help, rebautizada por nuestros zafios y facilistas traductores como Vidas cruzadas. El filme cuenta la creación de un libro-denuncia en el que las trabajadoras domésticas narran sus vivencias de sumisión frente a sus empleadores blancos.

Suma y recomposición de elementos presentes en sus filmes anteriores, ambientado esta vez en una Europa meridional que mira hacia el nutrido acervo de su pasado artístico, el último trabajo de Abbas Kiarostami (Teherán, 1940) siembra estupefacción y asombro ante quienes desconocen su trayectoria y, en contraste, admiración y reconocimiento ante quienes han seguido a este renovador del cine que se viene realizando en el Medio Oriente.

Theo Angelopoulos fue uno de los cineastas de una generación que pretendió cambiar el mundo, de aquellos realizadores que cada obra suya era una épica fílmica: física, simbólica y política.

Cuando pienso en los actores, el director, los productores y, en fin, la ideología que sostiene la frase sobre la bala y su verdad, más que desprecio siento un poco de miedo. Pero además creo que esa frase merece una respuesta.

El remake de la adaptación del bestseller. El filme de David Fincher inspirado en el libro de Stieg Larsson no será una pieza artística, pero cumple la función de entretener.

En Lost Highway (1997), de David Lynch, parece volverse realidad una de las principales búsquedas del cine: encontrar “una cámara que pudiera, no solamente verlo todo, sino verlo desde cualquier punto”.

“Este libro no pretende en modo alguno ser una historia del cartel fílmico nacional, sino recoger las voces de diversos especialistas sobre esa manifestación publicitaria y artística a lo largo del siglo pasado y en la primera década del presente”.

Esquivando explosiones, patadas voladoras y cuchillos ensangrentados buscaremos a través de cuatro artículos formas alternativas en que el cine representa la violencia. Comenzamos con el desafío que enfrentaron Elefante y La mujer sin cabeza de mostrar la violencia que no se ve.

Esta sacudida, más visceral en Festen acaso, cobra una dimensión nueva y distinta en Submarino, un filme cuyas imágenes quedan impresas con gran fuerza en la memoria.

Gerardo Delgado es un personaje importante dentro de la nueva era de la pornografía gay en México. Gerardo, a quien también se le conoce como “el Diablo”, concedió una entrevista muy reveladora a Replicante.

Saló o los 120 días de Sodoma es el último filme de Pier Paolo Pasolini. Obra maldita que vacía cines en mitad de la función, que nos arranca lágrimas y náuseas, fue interpretada en su tiempo como una crítica al entonces reciente fascismo italiano. Hoy propongo volver a pensarla como una metáfora de la violencia y como un ataque directo al espectador.

El novenario del Festival Internacional de Cine de Morelia podría definirse como una reunión de gritos y susurros de fanáticos y cinéfilos en alfombras rojas o salas de cine con momentos de excelsitud o aburrición, dentro y fuera, del complejo cinematográfico Cinépolis Morelia Centro.

Miss Bala es el discurso simulado de una realidad desvirtuada, hecha a base de fragmentos y percepciones; una película digna de la industria del entretenimiento, nada más.

El presente trabajo está enfocado al análisis simbólico del texto, aunque también se desarrollarán sucintamente estos puntos para medir el alcance del filme y justificar la importancia de la distribución comercial de documentales hechos por mujeres y con temas femeninos en el México contemporáneo.

El sábado 5 de noviembre comenzó la 26 edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Son 230 producciones audiovisuales programadas para exhibirse en 600 funciones. Replicante caminó en la carpeta roja y empezó a elegir qué ver. Cada recorrido es una experiencia. Hay tantos festivales como cantidad de espectadores.

En esta película documental de casi dos horas de duración dirigida por Alex Gibney, rica en testimonios, se analiza el auge y el declive de la trayectoria de este periodista fundamental para la historia del periodismo narrativo contemporáneo.

Mucho se puede decir sobre esta obra de gran simbolismo, referencias mitológicas, literarias y políticas, en especial porque es poco lo que se ha dicho.

Éste es un documental excepcionalmente cuidado desde el punto de vista estético —narrativo, fotográfico, de interrelación con otras artes como pintura, escultura y letras— que se quiere centrar sobre la tormentosa y lucrativa relación entre Saint Laurent y Pierre Bergé.

Ya al final de la 44 edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges vendría bien un resumen de lo que aconteció en los últimos diez días de este visionario maratón cinematográfico. Una muestra que se enfoca en el cine de género: el terror, la fantasía, la ciencia ficción y otros, hijos pequeños de los anteriormente nombrados.

Al final de El Decamerón un personaje interpretado por el propio Pasolini se hace una pregunta: ¿Por qué realizar una obra cuando es mucho más bello soñarla solamente? Si bien éstas son las últimas palabras del filme, propongo buscar la respuesta en los personajes que Pasolini encarnó en su propio cine.

Miss Bala es un galimatías —de buena factura en la fotografía—, y por ello habría sido mejor guardar silencio o ser menos pretencioso. En este momento la simulación y los discursos de victimización —de películas inmaculadas— están rebasados. Se requiere de algo mucho más serio desde todas las áreas, incluso desde el cine.

Los festivales son espacios de encuentro para la formación de otros mundos en los públicos cinematográficos. En tanto que la crítica son los ojos de los espectadores comunes y, en lo que toca al cine digital, el acceso para potenciar la creación cinematográfica.

Cuando el telón cayó, Kubrick no nos dejó con una más de sus víctimas girando en la rueda de alambre cual ratas de prueba. Nos dejó con la solución más clara a todos sus pasados enigmas. Evitó sacrificar a otro iluso, mató al dionisio que alimentó sus filmes.