“La retrospectiva de la obra de Antonio López realizada por el museo Thyssen de Madrid el verano pasado tuvo récord de asistencia. El trabajo de Antonio López es puro como un puñado de tierra; es paciente como un árbol creciendo y en el que cada detalle va apareciendo a su debido tiempo”.

“Lee Ufan utiliza los medios del minimalismo abstracto —las series, las cuadrículas y el monocromatismo— como una afirmación física de la existencia. Su minimalismo es una forma de guardar silencio; de emocionar con un gesto”.

“Hablar plásticamente de pederastia no fue fácil. Al margen de lo doloroso del tema, podía resultar retórico, panfletario o vulgar. Me puse a leer mucho sobre él para buscar la manera de abordarlo. Decidí concentrarme en los sentimientos de las víctimas. Quise expresar el rompimiento de su alma y la oscuridad de la vida que un hecho como éste le suscita a un menor.”

“Todo está en mi cabeza, lo transformo y plasmo según los elementos que tenga a la mano, no pretendo enviar un mensaje específico, cada persona entiende la obra según lo que ellos quieran ver; eso es lo maravilloso del arte, a todos nos provoca cosas diferentes, todos entendemos algo distinto”, dice Ivonne Adel-Bureos acerca de su obra.

Jorge Isla es un artista atípico en un panorama dominado por el arte contemporáneo. Se respira en las atmósferas de sus pinturas un halo de religiosidad, de intensa espiritualidad erótica y dice tener el sentido clásico del arte que tiene como objetivo la revelación.

“Este pintor poeta, como ningún otro que yo conozca, ha sabido captar y transmitir, en la superficie de sus dibujos y pinturas, la sensación de profundidad en el tiempo que penetra todo lo que se ve, oye y toca en México.”

Vista a la distancia, la obra de Fabio Gámez parece surcada por la discontinuidad y lo precario. Pinturas pequeñas para vender a los turistas en el malecón, un tiempo. Soportes como el cartón corrugado, puertas de tambor encontradas en el Bordo de Contención y lienzo, en otro. Ha incursionado también en grabado y neográfica.

Corazón siamés: Días de flores y cuchillos es una muestra que nos conduce por un viaje a través de los claroscuros de la emocionalidad de nuestro tiempo. Plantea una reflexión contemporánea sobre el espacio y los objetos, es una propuesta para repensar las relaciones simbólicas y estéticas que mantenemos con la experiencia tridimensional.

Dibujos, juguetes, escultura y pintura, la obra de Juan Bastardo aborda diversas técnicas y formas para aproximarse, en este caso, de vuelta a la niñez.

El trabajo plástico de este artista bebe de variadas fuentes de inspiración. Para empezar el grueso de su obra se alberga en muchos metros de diferentes pieles humanas, siendo Keko Buenavista tatuador de oficio, que paralelamente ha desarrollado una llamativa obra plástica desplegada en cuadros, ilustraciones y camisetas.

El trabajo del artista cobra sentido cuando toma una actitud política respecto de toda la violencia que percibe a su alrededor. Yo trato de dar un enfoque global en el que se representen la fantasía, la violencia y el deseo como algo inherente a la condición humana y no sólo a un sexo determinado, sin juicios morales buenos o malos.

El proyecto de Alfonso Mena titulado Historia de las cosas nace de la inquietud del artista por la investigación y la búsqueda por acceder y organizar el conocimiento. Tomando como inspiración y modelo ejercicios de clasificación que se han realizado a través de la historia como la enciclopedia Historia General de las Cosas, de Bernardino de Sahagún, Mena logra construir una propuesta en la que replantea conceptos estética y visualmente a partir de contextos culturales específicos y de su experiencia personal.

De su libro inédito Pintores de una generación sin nombre, las autoras nos ofrecen esta semblanza de Guillermo Scully, pintor mexicano fallecido recientemente.

El trabajo de Diego Etcheverry está impregnado de alusiones a recuerdos de la infancia convertidos en referencias intelectuales, al fin y al cabo las mismas, o casi, con las que crecimos todos.

En la serie que he estado trabajando, Errores de tiempo y registro, hago referencia tanto a las imágenes en movimiento, como a las que se realizan por métodos fotomecánicos con el sistema de separación de color. La imagen aparenta un error de registro como el que a veces se da durante una impresión industrial, muestra un movimiento, el paso del tiempo. Digamos que se trata de provocar un desfase del mismo objeto representado para evitar el registro unitemporal.

Con El Código Gris, estación pictórica comenzada en 2007 y que sigue en progreso, Rocío Caballero (Ciudad de México, 1964) recupera la posibilidad de crear un teatro visual —seriado en cincuenta “lecciones”, divididas en cinco capítulos— que fantasea sobre las Sociedades de Saber, es decir, comunidades, tribus y sectas conformadas para desarrollar conocimiento.

El pintor habla de su exposición inaugurada en octubre del 2010 en Mérida, de lo que observa en el ambiente pictórico yucateco, de su afición por la literatura y de cierta nostalgia por una Mérida que ya no existe.

Si para los puristas de la voluntad, los ascetas, todo aquello que rebase colmar la sed o el hambre se convierte en exceso, en la barcelonesa galería Como me ves, te verás (CMTV) exploran en la exposición colectiva Away from Dios todas las desviaciones del deseo y la voluntad con la representación pictórica de cada uno de los siete pecados capitales, más un añadido muy contemporáneo, La Prisa, en clave lowbrow.

Hay muchas cualidades psicológicas en los retratos que hace Ramón Sanmiquel. Eso es uno de sus aciertos como artista, ya que además de un excelente fisonomista es una gran observador metafísico, meticuloso y con deudas hacia la realidad que lo inspira.

La pintura de Toño Camuñas es una aberración reflejo de la distorsión que proyecta nuestro mundo y de la angustia rebasada de vivir al límite de las posibilidades de la moral, la falsa moral y definitivamente la no moral.

La saturación de imágenes de corte amarillista por parte de los medios de comunicación, aunado a la cotidiana y desmedida violencia que se vive en Jalisco, va creando públicos o espectadores cada vez menos sensibles y habituados a este entorno de caos. Por eso he decidido tratar estos temas contrastando en algunos casos la sutileza y el detalle de la técnica con lo grotesco que puede llegar a ser la imagen tratada, y en otros casos mostrando lo caótico de la aplicación del pigmento.

En esta serie de óleos impregnados de un sugerente voyeurismo la artista Violeta Esparza (Guadalajara, 1984) retrata los momentos de belleza pasajera que se dan de manera espontánea, capturados al azar y presentados siempre de manera fragmentaria, a modo de instantáneas de erotismo frugal y cotidiano.

En la era de la macdonalización cultural y del bloguetariado artístico no queda más que echar mano de la deconstrucción de los signos para entender una obra como la fraguada por Abel Benítez y el porqué de su deriva desencantada.

Enrique Oroz (1965) es un pintor dandy, lujurioso y dado a la bebida con alegría norteña, llegó a Guadalajara a los tres años de edad desde Ciudad Obregón, Sonora.

El trabajo de Tania Candiani (Ciudad de México, 1974) se ha caracterizado por el uso y desarrollo de múltiples disciplinas como premisa para crear un arte cargado de contenidos, partiendo de la experiencia y la cotidianeidad femenina para ilustrar una realidad universal.

Estos cuadros de Antonio Penagos pertenecen a tres series: Visionismo transpersonal, Regalos del Imperio Global y Quo Vadis? Es tan solo una breve muestra de su extensa producción en la cual ha manifestado su interés y preocupación por el desarrollo de la humanidad en un entorno altamemte tecnologizado. Hay fascinación en su mirada, pero también un señalamiento crítico y una cierta nostalgia por la vida sencilla y apegada a la naturaleza.

La obra de Dianné Ruz confunde mundos fantásticos con sensaciones humanas. Sus cuadros tienen un dejo de Leonora Carrington, sin que eso le reste originalidad; por el contrario, se distingue un pincel auténtico. También se nota una vocación exploradora, a pesar de que los tonos son constantes, no ocurre lo mismo con la temática. Nos encontramos además con cuadros que insinúan una narrativa oculta (como el del hombre suicida) que con reescrituras de viejas historias (como el de caperucita) o seres extraordinarios, más cercano a la literatura infantil que al surrealismo. Pinturas maliciosas por eso mismo.

Muchas de las obras de Elisenda Estrems son bucólicas, en las cuales vuelve a la imaginación y a los brumosos recuerdos infantiles: su padre, un viejo republicano catalán, hablándole de hazañas de guerra. Su madre, antropóloga, leyéndole historias y leyendas de las gestas revolucionarias de Rusia y China. Imágenes e ideas arquetípicas que mezclan memorias, fantasías y mitos.

“La pintura tiene que aludir aunque sea de manera tangencial a la realidad, una entidad en crisis, para lograr algún tipo de empatía con el espectador, si no no trasciende su función ornamental. La realidad hace tiempo que se ha mudado a los medios de comunicación visuales, que a su vez se retroalimentan del enjambre tecnológico y el auge de las redes sociales como el medio relacional preferido de la era cibernética.”

Un artista que no se deja pasar inadvertido.